50 mejores raperos de Nueva York, clasificados

Desde Jim Jones hasta Jay-Z y más, aquí está nuestro ranking de los 50 mejores raperos de Nueva York.

En el panorama en constante evolución del hip-hop, pocos lugares han desempeñado un papel más fundamental en el legado del género que Nueva York. Miles de raperos han crecido desde el lugar de nacimiento del hip-hop a lo largo de sus 50 años de historia. Desde Big L, cuyos ásperos bares resonaron en las calles de Harlem hasta el meteórico ascenso de Pop Smoke que electrizó la escena de ejercicios de Brooklyn, la escena del rap de Nueva York cuenta con una amplia gama de voces que han sido fundamentales para la evolución y el dominio del género a lo largo de las décadas. Otros, como Nicki Minaj, rompieron las normas de género y redefinieron el empoderamiento femenino, mientras que Jay-Z, un artista hecho a sí mismo que se elevó desde Marcy Projects de Brooklyn a un magnate global, ha cimentado su nombre en los libros de historia para siempre.

En homenaje al impacto de Nueva York en el hip-hop, el equipo de Complex Music ha seleccionado una lista que clasifica a 50 de los mejores raperos de la ciudad (y sus alrededores), desde algunos de sus padres y madres fundadores hasta jóvenes que han inyectado nuevos energía al sonido de la ciudad en los últimos cinco años. La habilidad, la habilidad lírica y el impacto en el género y la cultura en Nueva York y más allá fueron factores clave para determinar quién hizo el corte. Hay algunos nombres en esta lista que tal vez no se hayan originado en Nueva York, pero sus años de formación los pasaron dentro de la ciudad, y su música ciertamente canaliza la esencia de la cultura y el sonido de Nueva York.

Aquí están nuestras selecciones de los mejores raperos neoyorquinos de todos los tiempos, hasta ahora:

Cuando “Munch” se apoderó de las calles de Nueva York hace un año, la calidad de las arenas movedizas de la rima y el ritmo de Ice Spice (cortesía de su creador de sonido, RIOTUSA) acumuló una multitud de fanáticos y boppers por igual. El hielo se estaba divirtiendo, y se está divirtiendo, y muchos asumieron que el momento equivaldría a un ascenso evanescente y plano. En cambio, lo que siguió es un ascenso rápido y constante sostenido por un flujo distintivo, un sonido de taladro atractivo y sexy, compases desprevenidos y, de alguna manera, una entrega aireada y contundente. Como una mujer con algo que demostrar, Spice lanzó su primer EP, Like..? cinco meses después de ese sencillo. Temas como “Princess Diana”, con la asistencia de Nicki Minaj, y “Gangsta Boo”, con su compañero joven y prometedor Lil Tjay, exhiben mejor el ingenio descarado de su pluma con líneas como: “Quiero ser yo, para que ella haga mis gestos/Y mi nombre en boca, así que apuesto que se va a ahogar”. En lugar de sentarse cómodamente en el trono de princesa, una vez nombrado caballero por la reina, Spice ha mantenido su pie en nuestros cuellos y ha exhibido una atracción gravitacional especial. En menos de 10 meses, ha colaborado con todos, desde PinkPantherress de Londres hasta la sensación del pop estadounidense Taylor Swift y la ahora mentora Minaj, dos veces. Aunque a menudo vemos despegar a artistas con una energía distintiva de Nueva York, rara vez ese entusiasmo se traduce en un escenario nacional masivo con tanta rapidez. Y a pesar de un par de momentos cruzados, la versión de lujo de su debut nos recuerda que ella sigue siendo esa chica del "Deli".

En el año fundacional de su ascenso, las mujeres en este espacio históricamente están sujetas a estándares más altos e imposibles. La legendaria Lil Kim fue inicialmente descartada y cómicamente reducida a una declaración de moda “fallida”. Se dudaba ferozmente de la longevidad de Cardi B. Queen Latifah fue juzgada por tener la misma dureza que sus pares machos. Ice Spice no será la excepción a la regla; Aún así, sin importar cómo evolucione a partir de aquí, la novata del año quedará como el epicentro de este momento maravilloso y deliciosamente liderado por mujeres en el rap de Nueva York. A pesar de la naturaleza nostálgica de una lista de todos los tiempos como esta, es importante recordar que en la totalidad del tiempo existe la belleza del ahora, y el impacto de Ice Spice en su generación de rap neoyorquino es innegable. —Ecleén Luzmila Caraballo

La leyenda del rap underground Pharoahe Monch surgió como un artista principal a finales de los 90 después de que su dúo de rap con Prince Po, Organized Konfusion, tuviera una ruptura temporal. Armado con rimas técnicas y entrega animada, Monch se reintrodujo en su debut en solitario de 1999, Internal Affairs. En el proyecto, el nativo de Queens, en el sur de Jamaica, ofreció versos diestros y poéticos sobre muestras de jazz abstracto del saxofonista Oliver Nelson y el músico de múltiples guiones Quincy Jones. Los sonidos eran apropiados, ya que Monch ha señalado a los grandes del jazz Miles Davis y John Coltrane como guías musicales de su infancia. Lo que solidificó el arte de Monch fue su sombría capacidad para contar historias, su precisión metafórica y su hábil flujo de helicóptero, lo que lo convirtió en un colaborador adecuado para sus contemporáneos de la costa este, como Busta Rhymes, Method Man, Redman, MOP y Talib Kweli. El rapero sigue siendo una piedra angular del hip-hop, ya que todavía impulsa la música de forma independiente. Su talento e impacto también le han valido el reconocimiento de la leyenda contemporánea Eminem, quien nombró a Monch en su discurso de incorporación al Salón de la Fama del Rock and Roll y en la estrofa final del sencillo de 2013 “Rap God”. —Jaelani Turner-Williams

El ascenso de Diddy a la fama como productor y empresario es indiscutible, pero su reputación como rapero, especialmente uno de los mejores de Nueva York, genera debates. En la crucial era del hip-hop de los 90, Diddy fundó Bad Boy Records en 1993, hogar de bandas legendarias como The Notorious BIG y Mase. Como productor ejecutivo, desempeñó un papel fundamental en la configuración del sonido distintivo de la costa este en ese momento, combinando letras de primer nivel con ganchos pegadizos y suaves samples de R&B. Si bien mostró por primera vez destellos de su propio arte en temas como "All About the Benjamins", no fue hasta finales de los 90 y principios de los 2000 que emergió como un formidable solista, con álbumes número uno como No Way Out y Presiona play. Su poder estelar también brilló en canciones de amor clásicas como “I Need a Girl (Pt. 2)” y sencillos sinceros y atemporales como “I'll Be Missing You”. Aunque Diddy puede no igualar la habilidad de los artistas que formó en Bad Boy, es ampliamente reconocido como un visionario y creador de tendencias, con éxitos más impactantes y versos memorables como artista de lo que imaginas. —Jessica McKinney

Biz Markie y mi abuela fallecieron el mismo día, 16 de julio de 2021. Cuando era niña, mi prima y yo veíamos videos musicales en Box, MTV y BET en su sala de estar durante horas. Uno de los videos que más vimos fue “Just a Friend” de Biz Markie. Estábamos en esa sala cantando con todo nuestro corazón tal como lo hizo Biz en el gancho. Su innegable encanto y su enfoque humorístico recordaron a los fanáticos del hip-hop que a medida que el rap “gangsta” de la costa oeste comenzaba a apoderarse de las ondas, la música también podía ser divertida. Sin embargo, Biz siempre fue así. Un par de años antes, lanzó canciones como “Make the Music with Your Mouth, Biz” y “Pickin' Boogers”, que presentaban las habilidades únicas de beatboxing que lo convirtieron en un favorito de los fanáticos. Su influencia en el juego es importante. Snoop rehizo su canción “Vapors”, que puso en evidencia las habilidades narrativas de Biz. Su música también ha sido muestreada muchísimo, sobre todo por Mary J. Blige en “I Love You”. Y la comedia que presentó en sus videos influyó en personas como Busta Rhymes y Ludacris. Fue bailarín, beatboxer, cantante, rapero; Considerándolo todo, Biz era hip-hop. —Ángel Díaz

Piense en el gran trío de Yonkers, The Lox, como un bistec Peter Luger recién salido de la parrilla. Sheek es el hueso. Jadakiss es el chisporroteo. David Styles es el bistec. El miembro más joven de la tripulación se estableció desde el principio como su alma sobrenaturalmente sabia (tenía 20 años cuando empezaron). En conjunto, The Lox tiene 30 años de hermandad ininterrumpida como un grupo legendario que lanzó clásicos en los dos sellos dominantes de Nueva York de finales de los 90. Styles era dinámico dentro del grupo, capaz de intercambiar amenazas de secuestro en su patentado ida y vuelta con Jada o reconocer a Allah en medio de los himnos más sombríos de Lox. También tuvo una gran prolificidad a lo largo de los años en la escena de los mixtapes (para los lectores más jóvenes y curiosos, les imploro que comiencen con el clásico de 2006 The Ghost in the Machine). Pero si quieres entender la grandeza de Styles, culmina con su debut, A Gangster & A Gentleman de 2002, que sigue siendo el mejor álbum solista de Lox. En él, Styles muestra una visión madura y plenamente desarrollada de sí mismo como artista, como sugiere el título del álbum, a partes iguales cruel y fundamentada, hiperalfabetizado tanto en libros como en inteligencia callejera. —Abe Beamé

No subestimes la capacidad de Jim Jones para seguir siendo relevante. Todo el mundo conoce su mayor éxito en solitario, “We Fly High (Ballin')”, pero ha encadenado de manera impresionante innumerables momentos decisivos además de esos picos comerciales. Si le preguntas a Jim, ya ha tenido "tres carreras", y recientemente le explicó a Complex que su "primera carrera" fueron sus primeros días con Cam'ron y comenzando los Diplomats, seguido de su propia carrera en solitario. Y en la década de 2020, dice que está en una "zona completamente diferente", en medio de un tercer capítulo de su carrera. Como resultado, ha sido una parte integral de la escena del rap de Nueva York durante más de 20 años, inspirando a muchos de los artistas jóvenes de la ciudad a lo largo del camino e influyendo en grandes estrellas de otras áreas (como Drake). Jones tiene una habilidad especial para inyectar su valor natural de Nueva York en himnos callejeros que tienen atractivo comercial sin sacrificar ninguna autenticidad. También puede complementar los éxitos echando mano de su bolso lírico cuando le llega la inspiración. Ya sea que esté rapeando con los Diplomats, grabando su propio material en solitario o haciendo remezclas con estrellas de primer nivel, Jim Jones siempre es tan neoyorquino como parece. —Eric Skelton

Aunque no tiene los elogios de Billboard para demostrarlo, Grand Puba fue uno de los raperos neoyorquinos más influyentes de su época. El nativo de New Rochelle surgió por primera vez como artista en los años 80, pero realmente no dejó huella hasta 1990 como parte de Brand Nubian. En el álbum One for All del grupo, Puba convirtió las enseñanzas de Five-Percent Nation en pegadizas, ayudando a provocar un auge del rap consciente.

Pero consigue un rapero que pueda hacer ambas cosas. Como solista, Puba se inclinó menos hacia la retórica y más hacia el encanto lúdico de un neoyorquino astuto y con don para la charla, ejemplificado en sus dos colaboraciones fundamentales de rap/R&B con Mary J. Blige (1992, "¿What's the 411? " y "Compruébalo"). Y no olvidemos la moda que marca tendencia de Puba, las marcas de renombre que se convirtieron en elementos básicos del hip-hop: "Girbauds colgando baggy, Hilfiger en la cima", rapeó en "360 (What Goes Around)", su mayor éxito. Tommy, le debes a Puba uno o dos cheques por eso. —Donnie Kwak

Cada vez que puedas decir de manera viable que redefiniste la función de una forma de arte, probablemente seas una leyenda indiscutible. Como miembro de Grandmaster Flash and the Furious Five, uno de los primeros grandes grupos de rap, Melle Mel obtuvo el estatus hace 41 años. Mel ayudó a expandir el panorama temático del hip-hop con "The Message". Al sencillo de 1982 se le atribuye haber introducido la noción de rap consciente en la corriente principal. Si bien las canciones de rap anteriores se habían definido por fanfarronadas juguetonas e interacciones de llamada y respuesta, “The Message” era decididamente sombrío: un collage de vidrios rotos, exasperación y desesperación. No escribió la mayor parte de la letra (según se informa, Duke Bootee escribió todos los versos de la canción menos uno), pero fue el vehículo principal del himno, uno que dio voz a un grupo marginado y a los peligros de vivir “cerca de el borde." Es un enfoque narrativo que ha impulsado todo, desde Illmatic de Nas hasta Let's Get It: Thug Motivation 101 de Jeezy, convirtiendo a Mel en un antepasado estilístico de algunas de las canciones más conmovedoras de la historia del hip-hop. —Peter A. Berry

El rapero de Brownsville, Brooklyn, Sean Price, no era un nombre muy conocido. Se parecía más al tipo que hace trabajos de construcción en tu casa. Era un artesano, un rapero obrero, nacido con una chaqueta Carhartt y botas Timberland. En los años 90, Price, bajo el apodo de Ruck, se hizo un nombre como la mitad del dúo Heltah Skeltah y como miembro del colectivo Boot Camp Clik. A medida que el rap de Nueva York cambiaba dramáticamente cada pocos años, Price cayó en la oscuridad hasta que inesperadamente se convirtió en un favorito de la era de los blogs, en gran parte gracias a los esfuerzos del fundador de NahRight, Eskay. A mediados de la década de 2000, con álbumes como Monkey Barz y Jesus Price Supastar, la carrera en solitario de Price despegó gracias a su estilo lírico contundente y sensato y su voz grave que contrastaba marcadamente con los estilos emergentes de los raperos sin regiones durante Nueva York. York es una crisis de identidad. “Golpea en la espalda a un rapero por rapear con Auto-Tunes/Maldito rapero matón informático/Métete el disco duro en el culo, amor por las computadoras” es típico del humor negro de Price. A pesar de su prematura muerte en 2015, su legado es el de un rapero que se mantuvo fiel a sí mismo. —Insanul Ahmed

ASAP Rocky surgió en escena a principios de la década de 2010 como parte de una nueva ola de artistas de hip-hop que remodelaron el género con el colectivo de rap ASAP Mob, junto con artistas como ASAP Yams y ASAP Ferg. Su combinación única de estilo vanguardista, entrega carismática, cadencia suave y estética de chico bonito lo distinguen como un talento destacado. El mixtape debut de Rocky, Live. Amar. ASAP, lanzado en 2011, rápidamente llamó la atención con éxitos como "Peso" y "Purple Swag", mostrando sus rimas suaves pero contundentes. Pero lo que realmente solidificó el arte de ASAP Rocky es su incesante búsqueda de la evolución y la experimentación. Su álbum de estudio debut, Long. Vivir. ASAP, con éxitos como "Fuckin' Problems" y "Wild for the Night", demostró su versatilidad y atractivo cruzado. Pero lo que realmente solidificó el arte de ASAP Rocky es su incesante búsqueda de la evolución y la experimentación. El rapero de Harlem trae sin esfuerzo influencias del rap sureño a su mundo, infundiendo sonidos externos como los estribillos cortados y jodidos de Houston en su perspectiva neoyorquina. Mientras rapeaba en "Purple Swag", "Soy Texas Trill, Texas Trill, pero en Nueva York lo escupimos despacio". Ya sea por su impecable sentido de la moda, sus innovadores videos musicales o su habilidad para colaboraciones únicas (como “Praise the Lord” con Skepta), las contribuciones de ASAP Rocky al rap de Nueva York son innegables. —Jessica McKinney

El nombre de Kool Moe Dee es sinónimo de tres cosas: su álbum clásico de 1987 How Ya Like Me Now, sus icónicas gafas de sol y su legendaria enemistad con LL Cool J. Pero esos logros subestiman la longevidad y el impacto del rapero de Harlem. A partir de finales de los años 70 con los Treacherous Three, Kool Dee fue pionero en el rap a doble tiempo. Por más memorable que fuera su enemistad con LL, su batalla con Busy Bee Starski en 1981 fue una de las primeras batallas de rap documentadas. Mientras Busy Bee se concentraba en complacer al público, Moe Dee salió victorioso al criticar a su oponente, haciéndolo más parecido a la Ultimate Rap League de hoy. Una cinta de la batalla se difundió en los primeros círculos del rap (puedes encontrarla en YouTube), lo que la convirtió en uno de los primeros momentos virales del hip-hop.

Una vez que Treacherous Three se disolvió en 1985, Moe Dee se convirtió en uno de los primeros raperos en dejar un grupo y lanzar una carrera en solitario. Se convertiría en el primer rapero en actuar en los Grammy y luego ganó uno a la Mejor Interpretación de Rap en 1991. La mayoría de esas cosas sucedieron antes de chocar con LL Cool J. De hecho, How Ya Like Me Now no lo es. simplemente su mejor álbum; es un álbum de regreso. Es un OG que tiene un hijo joven y advenedizo. El hip-hop en los años 80 era el Salvaje Oeste, pero pocos estuvieron tanto tiempo en el poder como Kool Moe Dee. —Insanul Ahmed

Noreaga es uno de los raperos más singulares de la historia del hip-hop. Escuchamos por primera vez al rapero, nacido como José Luis Gotcha, en 1996, en “LA, LA”, la respuesta de la costa este a “New York, New York” de Dogg Pound (la canción en la que Snoop apareció y aplastó los edificios). Poco después, Noreaga mantuvo presionada la mayoría de las canciones del álbum debut de su grupo Capone-N-Noreaga, The War Report, mientras que su compañero Capone completó una oferta patinada. Sin embargo, la ausencia física de Capone no importó, ya que CNN se convirtió en la favorita del underground, entregando un álbum callejero clásico de Nueva York mientras la era de los trajes brillantes comenzaba a cerrar su control sobre el juego. Aunque no es ampliamente reconocido por su destreza lírica, NORE capturó corazones y mentes con su personalidad y su inclinación por crear éxitos. Los Neptunes te dirán ellos mismos que el rapero de Queens ayudó a ponerlos en el mapa. “Superthug” puso su ola en movimiento y el rapero y el dúo de producción tuvieron múltiples éxitos en su haber a partir de entonces. También se le atribuye, con razón, el mérito de haber adoptado el reggaetón en Estados Unidos, lo que en última instancia ayudó a que el género se generalizara. Hoy presenta uno de los podcasts más importantes del rap, Drink Champs. NORE siempre sabe cómo mantenerse relevante. —Ángel Díaz

Aunque de pequeña estatura, el veterano del rap de East Flatbush, MC Lyte, estalló con barras pesadas. Lyte derribó puertas como la primera mujer en lanzar un álbum de rap en solitario. Su debut en 1988, Lyte as a Rock, mostró sus rimas rudas y de tendencia feminista, similares al ardiente trío de Queens Salt-N-Pepa, la rapera de Queens Roxanne Shanté y Sha-Rock del Bronx. Con sólo 17 años, las líneas de Lyte fueron incisivas, declarándose a sí misma como una fuerza a tener en cuenta en la canción principal del álbum, "MC Lyte Likes Swingin'", "10% Dis" (dirigida a la ex rival del rap Antoinette) y " Fino como el papel." “Sobre el tema del rap, debería escribir un folleto, mejor aún, un folleto/Tu rap es débil, amiga, y definitivamente es torcido”, proclama Lyte en “10% Dis”. Después del boom-bap de los 80, Lyte continuó dejando huella, mostrando sus ingeniosos juegos de palabras y sus ingeniosas declaraciones en cortes clásicos como “Cha Cha Cha”, “Poor Georgie”, “Ruffneck” y “I Wanna Be Down” de Brandy. (Remix)” con sus compañeras de rap Queen Latifah y Yo-Yo. A menos que las raperas ya estuvieran juntas en un grupo, en los años 90 era raro ver grupos separados unir fuerzas, pero “I Wanna Be Down (Remix)” demostró que tres mujeres podían tocar el micrófono sin competir. La influencia de Lyte en el empoderamiento de las mujeres ha tenido eco en la confianza descarada y el humor de las herederas del rap Lil' Kim, Eve, Lauryn Hill y Missy Elliott, quienes colaboraron con Lyte en “Cold Rock a Party” de 1996. —Jaelani Turner-Williams

Ja Rule encontró una manera de abrir un camino para sus flujos melódicos y éxitos de R&B sin dejar de ser gángster. El rapero de Queens siguió un modelo que artistas como LL Cool J crearon sobre cómo los artistas de Nueva York navegarían por la delicada línea de hacer canciones de amor manteniendo la credibilidad en la calle. Algunos de sus discos más importantes son, en particular, colaboraciones con vocalistas femeninas como Jennifer Lopez y Ashanti, la última de las cuales es fundamental en una de sus canciones más importantes, "Mesmerize". Entre “I'm Real”, “Always on Time” y “Put It On Me”, Ja tiene tres éxitos número uno y temas que abarcan barbacoas y clubes a lo largo de varias décadas. Su influencia se puede escuchar en la música de artistas contemporáneos de Nueva York como A Boogie Wit Da Hoodie y Lil Tjay, raperos comercialmente exitosos que aprovechan las bolsas melódicas pero aún muestran su habilidad lírica. —Jordán rosa

Antes de que artistas excéntricos como Danny Brown, Redman, Madlib y el fallecido MF DOOM tomaran por asalto el hip-hop, estaba Kool Keith. Proveniente del Bronx, el creador de palabras fundó el enclave de rap local Ultramagnetic MCs en 1984. Tras una pausa indefinida nueve años después, Keith se lanzó por su cuenta. Adoptó alter egos como el Dr. Octagon, el Dr. Dooom y Black Elvis (una lista que desde entonces ha aumentado a al menos 58 en total), inspirándose en la ciencia ficción y los cómics para crear sus alucinantes esquemas de rima. El lirismo de Keith traspasó los límites de lo extraño, superando a sus héroes De La Soul y al excéntrico parodista Blowfly en el avance del rapero de 1996, Dr. Octagonecologyst. Sus barras inusuales y morbosas hacían extrañas referencias a la pornografía (“Girl Let Me Touch You”) y al homicidio (“Earth People”) en lugar de producción sintética, lo que convirtió a Keith en un pionero en el canon del rap inspirado en los cómics. Aunque los raperos convencionales estaban ganando popularidad con un atractivo comercial y 'gangsta' en los años 90, la fórmula única de Keith y sus extrañas rimas lo solidificaron como uno de uno. —Jaelani Turner-Williams

El álbum debut en solitario de Ol' Dirty Bastard sacudió la mesa del rap. Return to the 36 Chambers: The Dirty Version es una obra maestra porque destila los flujos esporádicos de ODB, la locura neoyorquina y la pensión por rimas erráticas en una porción hermética de 17 canciones. Solidificó su legado con su trabajo en Wu-Tang, pero algunos de sus versos más memorables se encuentran en Return to the 36 Chambers, como el grandilocuente “Brooklyn Zoo” o el exitoso disco “Shimmy Shimmy Ya”. Sólo Ol' Dirty Bastard pensaría en convertir su tarjeta EBT en la portada de un álbum, convirtiéndola posteriormente en un artefacto de hip-hop que ha sido replicado y convertido en alfombras para dormitorios universitarios en todo el país. A pesar de su vida convulsa, el espíritu incontrolable de ODB hizo que sus historias cobraran vida en sus raps. "¡Qué vergüenza cuando llegues al Ol' Dirty Bastard!" —Jordán rosa

Foxy irrumpió en escena en 1996 como artista destacado en un par de éxitos. Primero interpretó a Bonnie para Clyde de Jay-Z en "Ain't No", el sencillo principal del álbum debut de Jay, Reasonable Doubt. Luego ayudó al cantante de R&B Case en el éxito “Touch Me, Tease Me”, que, al igual que “Ain't No”, apareció en la banda sonora de Nutty Professor. A finales de año, firmó oficialmente con Def Jam y lanzó su debut en solitario, Ill Na Na, que obtuvo platino en un mes. Luego se convirtió en la primera dama de The Firm, el supergrupo formado por Nas, AZ, Nature y Cormega, con una producción encabezada por Dr. Dre. El álbum Firm salió en 1997 y fue considerado un fracaso, pero esa opinión ha vacilado a lo largo de los años. Tuvieron un éxito con “Phone Tap” y tenían joyas inéditas como “La Familia”. Desde entonces, Foxy ha lanzado otros dos álbumes en solitario con relativo éxito. Aún así, casi 30 años desde su debut, Fox Boogie no solo se erige como una de las raperas más influyentes que jamás haya existido, sino que también es un ícono de estilo. Sus características cejas finas, lápiz labial oscuro y piezas de moda de alta gama han convertido a Foxy en una de las favoritas de los archiveros de hip-hop de Internet y es un elemento fijo en los paneles de estado de ánimo de estilistas y chicas jóvenes por igual. —Ángel Díaz

GZA es uno de los raperos más cerebrales y discretos de todos los tiempos. Mientras que la mayoría de los raperos neoyorquinos de los 90 (incluidos sus hermanos Wu, Raekwon y Ghostface Killah) eran llamativos y fríos, y otros eran didácticos y sermoneadores, GZA no era ninguna de las dos cosas. Alumno de Rakim, hablaba con fluidez el micrófono y casi nunca levantaba la voz. Sus palabras tenían peso; mezclando conocimiento de la calle con visión filosófica. Tenía un léxico poco común: “Al rimar mientras estabas incapacitado, el dardo golpeó tu prenda/Perforó tus compartimentos internos y aerodinámicos”, rapeó en “Reunited” de Wu. Puede que no sea tan adorado como Rae, Ghost o Method Man, pero es igual de respetado en el micrófono, y Liquid Swords de GZA puede considerarse fácilmente como el mejor álbum solista de Wu. Más propenso a incorporar ajedrez y metáforas complejas en sus rimas que bonitos relojes y remates sencillos, GZA es una de las voces únicas que emergen de Nueva York. —Insanul Ahmed

Antes de Fab, había una clara delimitación entre “raperos mixtape” y “raperos convencionales”. Era como la división entre un jugador famoso por sus mates que desafían la gravedad en el juego y un jugador robusto y polivalente que gana campeonatos. Los raperos de mixtapes eran imbéciles muy respetados y probados en batalla que comerciaban con la moneda de los bares pero no podían traducir su talento a un entorno comercial (lucrativo) que se vendiera en todas las regiones y grupos demográficos. Entró Fab, un monstruo parecido a Frankenstein creado por el rey del mixtape DJ Clue para destruir los estilos libres con frases ingeniosas y divertidas. Luego sorprendió al mundo con su debut, Ghetto Fabolous, con un adictivo rap de centro comercial de principios de la década de 2000 que aún resaltaba todos los elementos de su estilo que lo hicieron grande (Ver: “Superwoman”, “Can't Deny It”, “Young' n" e "Into You", entre otros. Todos los ejemplos "106 y Park-core). Condujo a una carrera continua y notablemente consistente que cambió la forma en que pensábamos sobre el poder del mixtape y el rapero del mixtape. —Abe Beamé

En una era basada en bares y discos de éxito, Fat Joe tiene lo mejor de ambos mundos. Hay pocos raperos en esta lista que hayan podido lograr un éxito en casi cada década que han estado activos, pero Joey Crack tiene esa distinción, lo que lo distingue de muchos de sus contemporáneos de los años 90. El rapero del Bronx tiene un clásico generacional de la barbacoa con “What's Luv”, un clásico callejero con “Lean Back”, un éxito innegable con “Make It Rain” y una constante en la radio con “All The Way Up”. Joe unió sus canciones con su personalidad del Bronx, haciéndolas exclusivamente suyas pero también maleables para encajar con otros actos masivos de la ciudad, lo que en última instancia les ayudó a perdurar durante tanto tiempo. Y su trabajo con Terror Squad demostró que era más que un simple creador de éxitos. Incluso más allá de sus exitosos discos, la enorme personalidad y presencia escénica de Fat Joe encarna lo que significa ser un MC de Nueva York. —Jordán rosa

En el apogeo de sus poderes como posiblemente el mejor rapero del mundo, Jay-Z usó un compás rápido para rendir homenaje a un titán de la época dorada del hip-hop: “Sí, escucharme rapear es como escuchar a G Rap en su mejor momento. " Por muy bueno que Hov pensara que era, aún así descubrió que comparar su propio estilo con el Kool G Rap era la mejor manera de describir sus habilidades, un testimonio del legado de G Rap como uno de los primeros y más competentes incondicionales del rap callejero. . Producto de Juice Crew, Kool G Rap rápidamente se forjó una reputación como uno de los rimadores más feroces del hip-hop, inyectando mucho color en las narrativas callejeras y siendo uno de los primeros MC en dominar el arte de la rima multisilábica. Producido por su colaborador DJ Polo, el aclamado por la crítica Wanted: Dead or Alive ayudó a introducir el rap mafioso en el continuo del hip-hop años antes de que artistas como Raekwon, Nas o The Notorious BIG consideraran hacerlo, lo que posiblemente lo convirtió en el padrino del rap mafioso. —Peter A. Berry

Big L, como varios artistas de esta lista, vio su vida truncada trágicamente a una edad temprana. Aún así, dejó un legado innegable durante su corta carrera en Nueva York, publicando discos como "Put It On", "Ebonics" y "98 Freestyle" que han resistido la prueba del tiempo. Big L tenía un flujo suave que atraía a las masas, que utilizó para ofrecer versos poéticos y líricamente densos que inspiraron y motivaron incluso a sus compañeros más destacados. Nas le dijo una vez a Funkmaster Flex que Big L "me asustó muchísimo", recordando: "Dije: 'Oye, no hay manera de que pueda competir si esto es con lo que tengo que competir'", después de escuchar su música. ¿Y quién podría olvidar la vez que realizó uno de los mejores estilos libres de radio de todos los tiempos en The Stretch Armstrong and Bobbito Show junto a Jay-Z? Big L no siempre fue entendido por la industria musical, siendo retirado de Columbia en 1996 después de una disputa sobre diferencias artísticas con la compañía, antes de finalmente lanzar su música de forma independiente (aunque Jay-Z luego reveló que Roc-a-Fella era " a punto de ficharlo justo antes de que falleciera"). Aún así, los dones de Big L como letrista y narrador de todos los tiempos nunca se pueden negar, ganándose elogios de todos, desde Hov hasta Eminem. —Eric Skelton

Mason Betha surgió por primera vez como el rapero adolescente Murda Mase a principios de los 90, uniendo fuerzas con sus compañeros Harlemitas Cam'ron y Big L como parte de un grupo de corta duración llamado Children of the Corn. Pero después de un cambio de imagen de Bad Boy con traje brillante, Mase se volvió pop ("P. Diddy me hizo bonita") y adoptó una conducta más amigable con la radio. Su personalidad sonriente, combinada con un estilo de rap en cámara lenta, se volvió icónica a través de una serie de éxitos de Bad Boy. También lo convirtió en una especie de villano en los días pico del rap de mochila de finales de los 90.

Pero el "flujo de Mase" perseveró. (Ver el número 32 para ver un ejemplo.) La entrega vocal de Mase, deliberada, indiferente y perfectamente en el bolsillo del ritmo, ahora casi se siente como un arte perdido, similar a un tiro en salto de medio rango. Pero Mase puso puntos en el tablero durante años, y por eso siempre será un grande. —Donnie Kwak

Incluso con su vida trágicamente truncada, Pop Smoke aún pudo crear ondas en el rap que se sentirán durante generaciones. El rapero de Canarsie, Brooklyn, se inspiró en el sonido del taladro existente que se originó en Chicago y llegó a Nueva York a través de productores de Londres, infundiéndole su propio ADN valiente para ayudar a crear el subgénero del taladro neoyorquino que tenemos hoy. Su mixtape de 2019, Meet The Woo, prendió fuego a la ciudad y todavía tiene movimiento hasta el día de hoy, con temas exitosos como “Welcome to the Party” y “Dior” que solidificaron la voz reconocible y el flujo enfático del pop, los cuales continuarían en inspirar a otros raperos prometedores de la ciudad. Tras la muerte de Pop en febrero de 2020, su álbum debut póstumo Shoot For the Stars, Aim For the Moon demostró que el joven rapero apenas estaba comenzando, ya que el proyecto debutó en el número 1 en las listas Billboard Hot 200 y mostró la versatilidad de Pop con canciones como “Mood Swings”, “The Woo” y “What You Know Bout Love” que exploraron nuevos territorios sonoros. El ritmo de Nueva York se ha expandido en los años que siguieron a la muerte de Pop, pero su influencia aún se puede escuchar en improvisaciones, compases y selecciones de ritmos en todo el subgénero, lo que demuestra su innegable impacto en el rap de Nueva York (y más allá). —Jordán rosa

El Chef debería estar en el Salón de la Fama del Rock and Roll dos veces: una como miembro del Wu-Tang Clan y otra como solista. La Cinta Púrpura por sí sola debería ser suficiente para que el dios entre. Junto con su compañero de rima Ghostface Killah, Raekwon marcó el comienzo de un estilo de rap que ha sido replicado a menudo, pero nunca duplicado. A mediados de los 90, Rae, Ghost y el Clan popularizaron muestras de películas y referencias a la mafia en la música rap, junto con juegos de palabras encriptados (ver: “Criminología”) que todavía te dan vueltas la cabeza después de todos estos años. Su debut en solitario, Only Built 4 Cuban Linx…, sigue siendo el listón en lo que respecta a las campañas de novatos. La decisión de hacer que el casete sea morado, imitando el marketing de anuncios sobre drogas, fue un éxito, ya que todavía se hace referencia al color 28 años después de su lanzamiento. El concepto de probar la película The Killer de John Woo fue un punto de inflexión. “Wu-Gambinos” hizo que cada rapero y fan encontrara apodos y alias. También destacó su sentido de la moda. La imagen de él usando esa chaqueta Polo Snow Beach en el video “Can It Be All So Simple” está grabada en el cerebro de los amantes del hip-hop de todo el mundo, lo que convierte al jersey en una de las piezas más buscadas de Ralph Lauren. —Ángel Díaz

Cardi B es cualquier cosa menos una chica degular y shmegular normal. El nativo del Bronx representó una nueva era del hip-hop a finales de la década de 2010, cuando las sensaciones de Internet podían transformarse, y lo harían, en célebres raperos e íconos culturales. Pero Cardi lo hizo mejor que cualquiera de sus homólogos. Si bien sus primeros sencillos como "Foreva" y "On Fleek" parecían prometedores, fue el lanzamiento del himno del club "Bodak Yellow" en 2016 lo que la catapultó a nuevas alturas. Con su actitud sensata y sus letras identificables, Cardi B se ganó corazones mucho más allá de sus raíces en el Bronx. Aún más impresionante, llegó al top 20 de esta lista con solo un álbum de estudio, Invasion of Privacy. Temas destacados como "I Like It" y "Bartier Cardi" mostraron su talento para crear éxitos de club contagiosos, combinando hábilmente sus influencias caribeñas y latinas. Además de un álbum de estudio, Cardi también ha sido parte de colaboraciones que encabezan las listas como “WAP” con Megan Thee Stallion, “Tomorrow 2” con GloRilla y “Put It on da Floor Again” con Latto. En una época en la que las raperas eran cada vez más numerosas, Cardi B se destacó por su autenticidad. Más allá de su innegable talento, Cardi ha comenzado a servir como figura mentora en la industria, apoyando y acogiendo a destacados artistas emergentes como GloRilla y Latto, demostrando su buen ojo para identificar y acoger a la nueva generación de talentos. El legendario viaje de Cardi B es un testimonio de su inquebrantable autenticidad, determinación y resistencia frente a las críticas y los desafíos. —Jessica McKinney

Es difícil decir que una entidad creó un aspecto particular de la cultura del rap, pero una tribu llamada Quest sin duda fue pionera en el hip-hop alternativo, y Q-Tip fue el arquitecto. En una época en la que el hip-hop parecía secuestrado en samples de P-Funk y James Brown, gangsta rap y una conciencia política furiosa, Q-Tip fusionó sonidos de jazz ecléctico con una frescura introspectiva y equilibrada. Como parte de Tribe, abordó cuestiones del primer mundo como el capitalismo, la política sexual y mundanidades como la lujuria por un malo, uniéndolos a todos con calidez y matices. Juntos, Tribe lanzaron varios álbumes clásicos que ayudaron a definir una era y, como productor del equipo, Tip es el mayor responsable. En los años transcurridos desde el debut de la camarilla, Q-Tip y Tribe Called Quest se han hecho conocidos como los antepasados del rap de mochila, abriendo las puertas a personas como Yasiin Bey (también conocido como Mos Def), Talib Kweli, Kanye West y muchos otros que crearon binarios fuera del rap.—Peter A. Berry

Como antepasado del hip-hop, Joseph “Run” Simmons jugó un papel decisivo en la influencia del género como parte del icónico trío Run-DMC. A finales de la década de 1970, el nativo de Queens, primero conocido como “Easy D”, comenzó como DJ y hombre publicitario para su colega pionero del hip-hop Kurtis Blow antes de dejar atrás el tocadiscos y subir al escenario en 1983. Como parte de Run -DMC, Simmons inició la época dorada del hip-hop con su compañero MC Darryl “DMC” McDaniels y el DJ Jason “Jam Master Jay” Mizell. El trío prosperó porque DMC era un rapero agudo y reverberante (y la técnica de scratch de Jam Master Jay), pero fue la entrega enérgica y abrasiva de Run la que más brilló, particularmente en temas memorables como “It's Tricky”, “Christmas in Hollis” y “Sucker”. MC”. Influenciado por grupos musicales de los años 60 y 70 como los Rolling Stones, Rick James y Parliament-Funkadelic, Run-DMC transformó el estilo anteriormente orientado al disco del hip-hop en puro estilo b-boy: sombreros Kangol, chaquetas de cuero repujado y conchas. La puntera Adidas era a menudo el uniforme del grupo. Los firmantes de Def Jam incluso dedicaron el destacado “My Adidas” de Raising Hell a su zapatilla preferida; son las bestias exageradas OG del hip-hop. La habilidad y el entusiasmo de Run abrieron la puerta a sus predecesores revolucionarios LL Cool J, a Tribe Called Quest, Ice Cube, Public Enemy, Beastie Boys, Eric B & Rakim y Slick Rick. —Jaelani Turner-Williams

Si Malcolm X hubiera lanzado un álbum de rap, podría haber sonado como Chuck D. Infundiendo canciones con temas de nacionalismo negro, el nativo de Long Island surgió junto a Flavor Flav y el Profesor Griff como Public Enemy, un grupo de rap radical que ayudó a cambiar el hip-hop. para siempre. Operando como el letrista principal, su barítono grueso y autoritario parecía diseñado genéticamente para el liderazgo, y los álbumes de Public Enemy estuvieron entre los primeros del hip-hop en funcionar como bandas sonoras de la revolución. Volviendo al cine estadounidense clásico, el icónico sencillo de Public Enemy de 1988, “Rebel Without a Pause”, es un saludo a los revolucionarios negros y un dedo medio al status quo. Un adolescente Tupac Shakur probaría el primer verso de Chuck para su propio himno rebelde, "Panther Power", que también fue una de sus primeras grabaciones. Chuck D hizo carrera desafiando al establishment, animando a las futuras estrellas del rap Ice Cube y 2Pac a hacer lo mismo. Incluso le dijo a Elvis que se fuera a la mierda. Descaradamente desafiante, Chuck D es el "rapero consciente". Mientras otros MCs daban lecciones sobre economía de guetos o cómo ganarse el derecho a ir de fiesta, Chuck D nos enseñaba cómo luchar contra el poder. —Peter A. Berry

En un medio que siempre ha sido un juego de jóvenes, donde cinco años constituyen una buena racha, Meth es uno de los pocos raperos generacionales que ha mantenido relevancia (como personalidad, si no por sus barras) durante décadas. Si pudiera retroceder y trazar el ganador del título anual tonto, inventado e importante de "Rey de Nueva York", Clifford Smith Jr. fue el poseedor definitivo del cinturón en 1993, antes del reinado de Biggie y Nas en '94. En la página, el rapero de Staten Island escupía canciones infantiles remezcladas que estaban fracturadas y con clasificación R, robando las cadencias de "Patty Cake" y citando al Dr. Seuss. Pero Meth fue el primero en destacarse entre el ejército de nueve hombres de Wu, llamando la atención por su tremendamente enérgica presencia en el escenario y su magnética calidad de estrella de cine. Es por eso que Biggie lo eligió como el único rapero que apareció en su clásico debut, Ready to Die en 1994, pasando la corona de un rey a otro. —Abe Beamé

La narración es la base del hip-hop, y Slick Rick es uno de los arquitectos que hizo que esa base fuera tan sólida. Cuando el hip-hop todavía estaba encontrando su identidad (y Nueva York se sumergía de cabeza en su Edad de Oro), Slick Rick presentó Las grandes aventuras de Slick Rick en 1988 e impartió una clase de narración de rap que todavía se estudia hoy en día. Hay una razón por la cual Kanye West se llamó a sí mismo "el nuevo Slick Rick" en "Knock You Down", o por qué Nas dijo "Slick Rick es como Jesús, G Rap escribió la biblia" en su remix de "Let Nas Down". “Children's Story” cambió la forma en que los raperos rapean y afectó el género a escala nacional gracias a cómo Rick fue capaz de tejer a la perfección una narración de alto nivel en los marcos de su esquema de rima patentado. Si a esto le sumamos su apariencia única, marcada con un parche en el ojo debido a una lesión por vidrio que sufrió cuando era un bebé, obtenemos una de las figuras más reconocibles y fluidas del hip-hop. —Jordán rosa

Podría decirse que no hay rapero que sea más importante (junto con Rakim), en términos de su inicio en la era moderna del rap neoyorquino, que Big Daddy Kane. En sus dos primeros álbumes (Long Live The Kane en el 88 y It's a Big Daddy Thing en el 89), sobre algunos de los mejores loops de Marly Marl, la mente maestra de Juice Crew, el rapero de Brooklyn presentó el siguiente eslabón evolutivo del MC de Nueva York. tomando las riendas de los raperos de mediados de los 80, como Run-DMC, The Beastie Boys y los primeros LL, entre muchos otros. Los elementos por los que es conocido (la ingeniosa configuración y el remate, y la rápida y casual presentación de alardes y alardes sobre la grandeza mientras se deleita con el placer de los juegos de palabras) serían adoptados más tarde por sus compañeros de Brooklyn Biggie y Jay-Z, así como por varias generaciones posteriores de raperos de mixtapes de Nueva York como Jadakiss, Fabolous, Cam'ron y más. —Abe Beamé

Mos Def, que ahora usa su nombre de nacimiento Yasiin Bey, tiene un legado definido por sus bares. Su primer álbum de estudio en solitario, Black on Both Sides, se considera un clásico del hip-hop gracias a sus ingeniosos juegos de palabras, su compleja estructura de canciones y sus compases implacables. "EM. Fat Booty” es un éxito innegable que continúa siendo sampleado en temas destacados de hoy en día como “Surround Sound” de JID, “Do It Now” muestra su versatilidad mientras rapea junto a Busta Rhymes, y “Mathematics” es ampliamente venerado como uno de los más impresionantes. demostraciones de ejercicio lírico. “Para ch-ching, los gatos reciben el 'Cha-pow!': ahora estás muerto/Los campos de exterminio necesitan sangre para alimentar a la fuente de ingresos/Es un juego de números, pero las cosas no cuadran de alguna manera”, es una clase magistral en ambos aliteración y doble sentido que resalta la naturaleza corrupta y cíclica de un estado capitalista. Se imparten clases sobre los juegos de palabras de élite de Mos Def, y su destreza lírica es la razón por la que su legado ha perdurado más allá de su carrera con Blackstar. —Jordán rosa

Cam estuvo una vez en la fila para llevarse la corona del New York Rap. Después de rapear con gente como Big L al principio de su carrera, el nativo de Harlem vio cómo sus acciones subían rápidamente después de lanzar su álbum debut, Confessions of Fire, en 1998. Firmó con Untertainment con el co-firmante del fallecido Notorious BIG y tuvo dos sencillos de éxito, "357" y "Horse and Carriage", con su entonces mejor amigo Mase. Sin embargo, entre su álbum debut y su segundo álbum, su carrera se estancó. Él y Mase tuvieron una pelea y sintió que su acuerdo con Sony/Epic no iba a ninguna parte, por lo que Cam decidió firmar con su amiga de la infancia Dame Dash en Roc-a-fella en 2001, y el resto, como dicen, es historia. Killa emprendió una campaña de mixtapes y un movimiento callejero del que todavía se habla hoy. Se subió a un montón de ritmos de Blueprint y se volvió loco, no solo ayudando a Roc en su actual disputa con Nas y Queens, sino también solidificando a los Dips como un equipo viable en los años venideros. Sin embargo, la asociación de Dipset con Dynasty no duró mucho, ya que ambas partes tuvieron una separación memorable alrededor de 2004. Probablemente sea más conocido por la generación más joven como un meme de reacción del rapero que solía vestir de rosa, pero los verdaderos recuerdan cuando casi tomó el trono. —Ángel Díaz

Años después de su carrera, Jadakiss se erige como el Carmelo Anthony del hip-hop. Nunca ha estado entre los cinco mejores jugadores, pero su diestro conjunto de habilidades es impresionante de una manera tan obvia que incluso un fanático casual lo notaría. Los OG lo veneran. Habiendo surgido junto a Bad Boy hacia el comienzo de la era de los trajes brillantes, Jada surgió como una ráfaga humanoide de remates incisivos, aforismos macabros del gueto y esquemas de rima ordenados. Ha sido uno de los 16s eléctricos más confiables del rap durante décadas. Ha rapeado con The Notorious BIG y ha lanzado sencillos con Mariah Carey, y ha luchado hábilmente contra 50 Cent en la cima de sus poderes. Como miembro de Lox, tiene el honor de aparecer en una canción tan clásica que es un verdadero cliché. En un microcosmos de su carrera, 24 años después de su primera aparición en la corriente principal, su imponente actuación en la batalla unilateral de Dipset Verzuz de Lox enseñó a una nueva generación la virtud de ser simplemente un gran MC. —Peter A. Berry

La enorme personalidad de Big Pun lo convirtió en uno de los raperos más queridos que jamás haya existido en el Bronx. Su vertiginoso fluir, retorcer la lengua y su magistral juego de palabras podrían desconcertar a tu cerebro, pero también fue uno de los raperos más divertidos de todos los tiempos. Le encantaba la frase de ensalada de palabras (“Muerto en medio de Little Italy”), pero había mucho más en el menú. En un minuto subía la manzana; al siguiente rapearía: “Empaquetando el mac, en la parte trasera del Ac”.

Nunca olvidó su herencia; incorporando español a sus rimas, probando “En Un Rincón Del Alma” de Danny Rivera en “It's So Hard” y haciendo himnos puertorriqueños como “100%”. Como declaró con orgullo en “You Came Up”, “los latinos que se convertían en platino estaban destinados a llegar”. Lamentablemente, murió en 2000 antes de poder disfrutar verdaderamente de su éxito. El legado de su debut, Capital Punishment, permanece: pocos álbumes de rap, antes o después, son tan densos en sus letras pero divertidos. —Insanul Ahmed

El mito de MF DOOM es tan complicado, interesante y duradero como su legado lírico. Si bien DOOM nació técnicamente en Londres, su historia de origen comenzó en Long Island, donde el rapero creció junto a su hermano DJ Subroc y fundó KMD. DOOM se hacía llamar Zev Love X en ese momento, y KMD lanzaría un álbum antes de que Subroc muriera trágicamente en un accidente automovilístico en 1993. Zev Love X desapareció durante varios años después de eso, y regresó a mediados de los 90 como el hombre de Metal Faced. MF DOOM. Como DOOM, se cubrió el rostro, primero con una media y luego con una placa frontal de metal diseñada a partir del accesorio que Russell Crowe usó en Gladiator. Con su mezcla de lirismo denso e imaginativo, producción clásica de Nueva York e inspiración en cómics, proyectos como Operation: Doomsday de 1999 ayudaron a convertir a DOOM en uno de los artistas más influyentes de la época. La leyenda de DOOM trasciende generaciones: los vinilos de Madvillainy adornan las paredes de los dormitorios universitarios y las barberías de la Universidad de Nueva York hasta el día de hoy, y su máscara de metal es uno de los artefactos de hip-hop más reconocibles de todos los tiempos. Incluso la revelación de su fallecimiento en la víspera de Año Nuevo en las últimas horas de 2020, varios meses después de que sucedió, suena como algo nefasto elaborado por el rapero para encajar en su historia escrita por él mismo. La historia del origen de DOOM podría perderse en las arenas del tiempo y su legado seguiría vivo. "Solo recuerda, TODO EN MAYÚSCULAS cuando deletrees el nombre del hombre". ¡Viva el villano! —Jordán rosa

El Wu-Tang Clan es posiblemente el mejor grupo de rap de todos los tiempos, y el argumento de que Ghostface Killah es el mejor miembro se basa en el hecho de que su éxito no se limita a los cinco años iniciales de Wu. Cuando Wu surgió de los barrios bajos de Shaolin con 36 Chambers, la espada de Ghost no era tan afilada como la de miembros experimentados como GZA, ni tenía el carisma natural de Method Man. Su verdadera identidad como uno de los narradores más talentosos del rap surgió gradualmente en Only Built 4 Cuban Linx… de Raekwon, el debut de Ghost, Ironman y Wu-Tang Forever. Narró escapadas criminales en “Verbal Intercourse” pero aún podía ofrecer historias desgarradoras en temas como “All That I Got Is You” e “Impossible”.

Ghost se separó de sus hermanos Wu en la década de 2000. El rapero de Staten Island encontró el éxito después de firmar con Def Jam y lanzar álbumes como The Pretty Toney Album y Fishscale. Pero su clásico de todos los tiempos sigue siendo Supreme Clientele del año 2000, donde mantuvo su entrega apasionada y sus raps estilo panel cómico mientras agregaba una capa de abstracción. "Eso es el pasado, Rollie con mucho hielo tirado en el tablero/Amo la hierba, la coliflor me duele cuando tiré la basura", escupe en "One". ¿Qué significa? No estamos seguros, pero Ghost una vez explicó suficientemente sus pensamientos: "Me importa un carajo si no sabes de lo que estoy hablando: esto es arte". —Insanul Ahmed

La influencia de Lil' Kim en la moda es innegable, pero no podemos ignorar su destreza como rapera. Ella irrumpió en la industria con Hard Core de 1996, usando imágenes explícitas (¿quién puede olvidar el póster del álbum de Kim agachada con las piernas abiertas?) y canciones que eran igualmente explícitas. Kim, la única mujer en Junior MAFIA, un grupo de rap formado bajo la tutela del fallecido Biggie Smalls, debutó en una época en la que ser sexualmente provocativo no era la norma para las raperas. La mayoría se inclinaba hacia el lado marimacho, y si se inclinaban por ser sexys, ninguna lo aceptaba de la misma manera que Kim.

La rapera de Brooklyn era mucho más que su imagen sexy. Era una estrella con presencia en el escenario que pronunciaba sus letras de una manera tan imponente y cautivadora. Tomemos como ejemplo su primer sencillo, "No Time"; se presenta con un fuerte "huhhh" y luego procede a doblar cada compás y sílaba a su voluntad: "Nada hace que una mujer se sienta mejor que berettas y Amarettas, cueros de mantequilla y quesos cheddar locos/Relajarse en un Benz con mis amigos, tratando de quedarse con un idiota por sus pesos”.

Después de que Biggie, un colaborador clave de Kim, fuera asesinado en 1997, su carrera fácilmente podría haberse detenido. Pero continuó ofreciendo muchas más de sus propias canciones clásicas y características memorables. Pasó al pop con “Lady Marmalade”, ganadora del premio Grammy, junto a Pink, Mya y Christina Aguilera. Lil' Kim abrió las puertas a cada una de las raperas que la siguieron y ayudó al mundo de la moda a comprender el poder del hip-hop. Muchos se han beneficiado del plan que ella dejó. —Aria Hughes

Aunque nació en Hempstead, Long Island, Prodigy a menudo se asocia con Queensbridge debido al trabajo del difunto rapero como mitad del influyente dúo Mobb Deep. En los años 90, Mobb Deep lanzó clásicos como The Infamous y Hell on Earth y éxitos atemporales como “Quiet Storm”, “Get Away” y “Shook Ones, pt. II”. Sobre este último, Prodigy pronunció la mayor amenaza jamás hecha a la cera: "Métete en la cara/golpéate el cerebro con el hueso de la nariz". Retrató vívidamente las duras realidades de la vida en la calle y exploró temas de espiritualidad, metafísica y oscuridad. A pesar de toda su destreza lírica, su entrega lo hizo único. Hablaba por el micrófono, dando a sus rimas amenazadoras la tranquilidad de un villano de terror inquebrantable.

El trabajo de P en Mobb Deep es suficiente para estar en esta lista, pero su carrera en solitario es la razón por la que pertenece tan alto. No solo hizo éxitos como “Keep It Thoro”, sino que en 2007, después de un intento mediocre de ganar dinero con G-Unit, P se independizó y lanzó Return of the Mac, una obra maestra con la que formó pareja con el Alquimista. La fórmula de un rapero veterano que hace un álbum de un artista y un productor continúa hasta el día de hoy, con artistas como Freddie Gibbs, Roc Marciano y Larry June buscando los ritmos de ALC para hacer una declaración. Sólo otro testimonio de por qué nunca se debe cuestionar la tendencia de P. —Insanul Ahmed

A finales de los 80, KRS-One era conocido como "The Teacha", lo que sugiere que explorar su trabajo es un acto de comer vegetales que se encuentra junto a los severos relatos históricos y las escrituras militantes de la escena underground de finales de los 90 y principios de los noventa. Pero resiste la prueba del tiempo porque, si bien es uno de los mejores raperos conscientes de todos los tiempos, el sello no ayuda a comprender cuán fresco era Lawrence Parker. Cuando MC Shan reescribió los orígenes del rap en 1985 con “The Bridge”, KRS se enfrentó a un ejército él solo y lo recuperó para el Bronx, creando el concepto moderno de la batalla del rap en el proceso. Más allá de eso, el jamaicano del Bronx hizo tangible el vínculo inextricable entre el rap y la herencia caribeña del género al escupir en patois, y le ofrecieron un top 3 de rap en vivo de todos los tiempos con Live Hardcore Worldwide (1991). Se convirtió en uno de los primeros MC en demostrar que se podía escupir una teoría racial crítica en medio de una canción lo suficientemente genial como para pasar la prueba del auto. —Abe Beamé

Después de comenzar en el grupo de rap Leaders of the New School, Busta lanzó su álbum debut, The Coming, que incluía sencillos de alto octanaje como “Woo Hah!! Got You All in Check”, que exudaba su ahora característica energía electrizante, su flujo rápido y sus letras inteligentes pero que invitan a la reflexión. Con el paso del tiempo, Busta Rhymes continuó elevando el listón con álbumes como When Disaster Strikes, que incluía el exitoso sencillo "Put Your Hands Where My Eyes Could See". Cambió sin esfuerzo entre diferentes estilos y temas, demostrando que no era sólo un pony de un solo truco, sino un rapero dinámico y completo. Busta Rhymes poseía un tono y una habilidad vocal únicos que eran instantáneamente identificables, caracterizados por una entrega rápida e intensa. Sin embargo, no podemos hablar de Busta sin mencionar sus imágenes futuristas e innovadoras. Uno de sus álbumes más emblemáticos, Extinction Level Event: The Final World Front, incluyó el fascinante éxito "Gimme Some More". La canción no solo mostró su innovadora narración, sino que los videos musicales que la acompañaban fueron un festín visual. Más allá de sus proyectos en solitario, Busta Rhymes colaboró con una variedad de artistas, incluidos éxitos como "What's It Gonna Be?!" con Janet Jackson, el clásico atemporal "I Know What You Want" con Mariah Carey y el éxito "Look at Me Now" con Chris Brown. La longevidad de Busta Rhymes en el juego del rap dice mucho sobre su talento excepcional y su arte inquebrantable. —Jessica McKinney

Nadie ha tenido una pasión más visceral detrás del micrófono que Dark Man X. Aunque nació y creció en Yonkers, el impacto de DMX en la ciudad de Nueva York y más allá es innegable. No sólo pudo competir con Jay-Z durante su apogeo comercial, sino que también pudo vender más que él. El primer álbum de estudio de DMX, It's Dark and Hell Is Hot, debutó en el puesto número 1 de la lista Billboard 200 con canciones clásicas como "Ruff Ryders Anthem". X siguió esto con Flesh of My Flesh, Blood of My Blood y …And Then There Was X, que alcanzaron el puesto número 1, convirtiéndose en uno de los álbumes más exitosos e impactantes en la historia del hip-hop. Estos tres álbumes en particular se destacan porque todos suenan claramente como X: no comprometió su estilo de rap para adaptarse a la era Shiny Suit ni a ninguna tendencia de la industria. El estilo de rap distintivamente vaw de DMX es sinónimo de la ciudad de Nueva York. Su tono ronco inmediatamente reconocible hizo que sus compases sonaran llenos de óxido, y su interpretación áspera influyó en futuros raperos destacados como Pop Smoke y Scar Lip para que se inclinaran por sus propias voces naturales. X hizo que incluso sus historias y compases más agresivamente personales (como “He pasado por diferentes fases locas, como laberintos, para encontrar mi camino”) se sintieran identificables, y su propia confusión, así como los momentos de redención a lo largo de los años, hicieron que su música fuera cruda. , real y atemporal. —Jordán rosa

Cuando Nicki Minaj irrumpió en escena, la escupidera de Queens inmediatamente se afirmó como una potencia a tener en cuenta. Claro, contaba con el apoyo de Lil Wayne, pero incluso sin un aval, el poder estelar de Nicki era innegable debido a su personalidad descomunal y su destreza lírica. Su mixtape de 2009, Beam Me Up Scotty, conquistó al mundo con temas como "Itty Bitty Piggy", que mostró su talento intrépido, su lirismo nítido y su entrega arrogante. Mientras que otras mujeres antes que ella habían introducido la música sexualmente positiva, Nicki Minaj la llevó a otro nivel y se convirtió en un ídolo que todas las chicas querían emular. ¿Quién no querría lucir una mecha rosa en el cabello o un bob negro azabache con flequillo gracias a Minaj? Hasta el día de hoy, Queen encarna la “versatilidad” como ningún otro, como se muestra en sus cuatro álbumes de estudio. Nicki traspasó los límites sociales y demostró su poder cruzado con éxitos como "Super Bass", "Starships" y "Bang Bang". Desde juguetona y provocativa hasta contundente y emocional, Nicki lo tiene todo en su arsenal. Es pionera, creadora de tendencias y fuerza de la naturaleza, con una huella en el hip-hop que va mucho más allá de sus éxitos que encabezan las listas de éxitos. Nicki ha abierto puertas a innumerables raperos y ha empoderado a toda una generación de mujeres jóvenes para que sean ellas mismas sin pedir disculpas. No hay lista de rap de Nueva York sin Nicki Minaj. Su legado está escrito en letras rosadas y atrevidas. —Jessica McKinney

En el verano de 2002 en la ciudad de Nueva York, la banda sonora era tan consistente como podía serlo en el hip-hop. 50 Cent Is the Future de 50 Cent se reproducía en bucle desde los autos, y los neoyorquinos sacaban el pecho, sabiendo que su ciudad tenía la próxima estrella del rap universal. En ese momento, la música de los años 50 era ineludible en Nueva York, pero su carrera apenas comenzaba. Le dispararon y lo archivaron, y cuando regresó, se hizo el matón. Ya había revolucionado la escena de los mixtapes, una avalancha cuerpo a cuerpo de estuches de CD con joyas que a menudo estaban envueltos en portadas con 50, Lloyd Banks y Tony Yayo vestidos con combinaciones de colores a juego. Estaban rapeando sobre ritmos populares del momento y criticando a cualquier otro artista en su camino.

Los mixtapes triunfaron en las calles, pero fue lo que haría 50 en su primer álbum de estudio lo que lo impulsó al estrellato. El mundo estaba esperando Get Rich or Die Tryin', y con un cuarto de caída y el sonido de un arma amartillada, 50 lanzó un clásico repleto de éxitos que vendería 12 millones de copias, uno de los éxitos del hip-hop. debuts de lúpulo de todos los tiempos. 50 lanzaría cuatro álbumes de estudio más y ayudaría a forjar el éxito de la carrera en solitario de Banks, Yayo, Buck y The Game antes de convertirse en un magnate de la televisión, cocrear éxitos como Power y BMF y ser productor ejecutivo de más de una docena de espectáculos. No hemos recibido un álbum completo de Fif desde 2014, pero una prueba de su capacidad de permanencia es su actual gira final de ciudad en ciudad que está agotando estadios en todo el mundo más de 20 años después. A veces es divertido apoyar al malo. —Joe La Puma

LL Cool J, nacido como James Todd Smith, surgió en la escena del rap a mediados de la década de 1980 durante una era fundamental para el hip-hop en la ciudad de Nueva York. Apenas una década después de que el hip-hop cobrara vida en la ciudad, el género evolucionó rápidamente con una nueva clase de artistas ansiosos por mostrar su creatividad y talento. LL Cool J fue un acto destacado. Su contagioso entusiasmo y sus agudos compases lo diferenciaron desde el principio de su carrera, y se exhibieron mejor en sus primeros sencillos. Su debut en 1985, Radio, fue lanzado con gran éxito de crítica y, con sólo 17 años, el joven novato capturó el espíritu vibrante de los adolescentes de la época, mostrando un carisma y una entrega incomparables. Canciones como “I Can't Live Without My Radio” y “Rock the Bells” rápidamente se convirtieron en himnos de la nueva escuela. Sencillos clásicos como “Mama Said Knock You Out” y “Headsprung” mostraron su estilo agresivo y convincente que lo mantuvo relevante durante muchas décadas y cambios en la industria. Si bien el rap durante este período estuvo dominado por la estética del battle-rap y los sonidos hardcore, LL Cool J pasará a la historia como uno de los mejores (y más influyentes) debido a su versatilidad. El rapero de Queens introdujo un enfoque más suave y seductor en el género que combinó sin esfuerzo su feroz habilidad para el rap con ganchos suaves y melódicos e influencias del R&B. Canciones como “Doin' It”, “I Need Love” y “All I Have” abandonaron los compases combativos en favor de letras románticas y cargadas de sexualidad. LL Cool J fue uno de los primeros raperos que hizo atractivo atraer a las mujeres mostrando un lado más vulnerable, allanando el camino para artistas como Drake. Si bien hay varios pioneros que contribuyeron al subgénero del rap melódico que escuchamos hoy en la radio, LL Cool J sin duda merece sus flores como pionero destacado. —Jessica McKinney

La mayoría de los artistas de esta lista pueden describirse como “el rapero favorito de tu rapero favorito”, pero pocos mantienen esa distinción a lo largo de tres generaciones de rap como lo hace Rakim. Surgió durante el corazón de la Era Dorada del hip-hop, donde los bares reinaban, y se consolidó como uno de los mejores MC para sostener un micrófono, en gran parte gracias a su habilidad técnica. Los primeros trabajos de Rakim con Eric B. a finales de los 80 y los 90 se convirtieron en un evangelio que las futuras leyendas del rap podrían emular. Su álbum debut, Paid In Full, todavía recibe referencias hoy en día a pesar de haber salido hace casi cuatro décadas, con canciones como “I Ain't No Joke” y “Paid In Full” que todavía se escuchan con frecuencia tanto en comerciales como en las esquinas de Nueva York. Su segunda cinta, Don't Sweat The Technique, tuvo un efecto similar en la cultura, influyendo no sólo en el rap de Nueva York sino en todo el sonido de la Costa Este que todavía se estaba formando en ese momento. La influencia de Rakim en el rap se extiende mucho más allá de su época. ASAP Rocky (otra entrada en esta lista) lleva literalmente su nombre y DMX estudió su estilo de rap cuando estaba aprendiendo el oficio. Y la lista continúa. Rakim pasará a la historia como un creador básico del suave estilo de rap neoyorquino por el que la región es conocida hoy en día. Rakim fue el “God MC” original, y su evangelio de discos clásicos vivirá en el espíritu de la época del hip-hop para siempre. —Jordán rosa

El verdadero testimonio de un gran rapero es su capacidad para contextualizar experiencias y hacerlas identificables (o al menos convincentes) para todos. Nas es uno de los mejores que jamás haya sostenido un micrófono porque repetidamente envolvió al mundo alrededor de sus vívidos compases. En Illmatic, uno de los álbumes debut más icónicos de todos los tiempos, o las profecías en It Was Written dos años después, y los desafíos blasfemos del status quo en Hip Hop Is Dead (compartido una década después), nunca falló en pintar cuadros que fueran fieles a su historia y experiencias vividas, independientemente de cómo pudieran ser percibidas por el mundo que lo rodeaba.

Más allá de sus clásicos, lo impresionante de la carrera de Nas es cómo ha podido adaptarse a los tiempos cambiantes y seguir siendo una notable inspiración para los raperos que vinieron después de él. "Nas era como Jesús, Pac escribió la Biblia", rapea Cole en "Let Nas Down", interpolando la pista de I Am... "Nas Is Like". Nas no solo reimaginó el juego del rap, sino que lo reescribió, convirtiendo títulos de pistas como “Ether” en verbos. El rapero de Queensbridge se vinculó con Hit-Boy, uno de los mayores productores de esta generación actual, para hacer su trilogía King's Disease y Magic 1 & 2, un testimonio de las ilimitadas oportunidades de reinvención que el rap puede ofrecer si tu pluma es lo suficientemente amable. Con esos proyectos y colaboraciones con artistas como Cordae, 21 Savage, The Weeknd y más, Nas ha descubierto una manera de evolucionar en lugar de perseguir sin rumbo el sonido moderno. Sólo Nas ha tenido el aplomo de reescribir su destino tres veces. Desafió a los dioses del rap, se enfrentó al Dios MC y, tres décadas después, sigue en pie con más historias que contar. —Jordán rosa

Biggie podría haber estado cómodamente en la cima de esta lista si el tiempo lo hubiera permitido. En 1997, a los 24 años, con dos álbumes de estudio en el bolsillo (el último de los cuales se titulaba preventiva y misteriosamente Life After Death), Biggie tenía la costa este bajo su protección. Es uno de los nombres más sinónimos de Nueva York de todos los tiempos, con una pluma puntiaguda que encajaba con las realidades violentas y las experiencias vividas en capas de sus comunidades. Y lo hizo de una manera valiente, a veces cruda y siempre matizada. BIG, un verdadero rapero gangsta original, fue mentor y líder de manada de Junior MAFIA, un grupo del que artistas como Lil Cease y Lil Kim saltaron a la fama junto con temas como “Players Anthem”.

El rapero de Brooklyn, firmado con Diddy's Bad Boy Records, era un hábil narrador que estaba orgulloso del arte del oficio y se hacía llamar escritor más que nada. Líneas como “La mayoría de estos negros piensan que están actuando, pero están actuando/A quién atraen con esa línea/'¿Cómo te llamas? ¿Cuál es tu signo?… Cosas que te hacen sonreír, qué números marcar”, en su gran debut, Ready to Die, mostró esa naturaleza poética. Ningún otro rapero podría transmitir el sentimiento y el sonido de una ciudad entera con sólo cinco palabras como "Todo fue un sueño". Los fanáticos del rap de todas las edades lo citan y lo estudian hasta el día de hoy y, aunque su carrera estuvo manchada y condicionada por conflictos y discordia, Biggie creció con una quietud y un deseo de paz que se sentían en sus discursos públicos finales; En una entrevista con Angie Martínez en 1996, The Notorious BIG lo declaró el año del amor, y ese año continúa desde entonces. Biggie pasará a la historia como uno de los raperos neoyorquinos más queridos de todos los tiempos. —Ecleén Luzmila Caraballo

Al tratar de determinar la ubicación de Jay-Z en la parte superior de esta lista (que lo declara, *redoble de tambores* por favor, el hogar del mejor rapero del hip-hop), uno descubre bastante rápidamente que simplemente no hay un solo argumento coherente que pueda hacerse lo contrario. Es indiscutible; es innegable. Ya sea que esté hablando de competencia técnica, éxitos de Billboard, historias más reales, influencia global, estilo personal, carisma magnético, ventas totales, gestión de marca, versos destacados, firmas conjuntas de artistas, entrevistas esclarecedoras, risa condescendiente o simplemente relevancia sostenida, por cualquiera y cada métrica cuantificable o evaluación cualitativa: Shawn Carter es simplemente el mejor, mejor que todos los demás.

Sin embargo, lo que hace que la coronación del rey de Brooklyn sea mucho más satisfactoria y virtuosa es que, a pesar de su magistral indiferencia y su postura de gobierno inevitable, esta posición era improbable y muy reñida. Jay lanzó su primera canción, “HP Gets Busy”, en 1986, y fue necesaria una década de rechazo y reflexión (trabajando como exagerador para Jaz-O y Kane, cuando no estaba acumulando su capital inicial en la calle) para que Jay encontrara su voz y redacta su brillante debut autofinanciado, Reasonable Doubt. Y a partir de ese modesto éxito, se vio empujado a la lucha por los balones sueltos creada por el vacío de 2Pac y los pases de Big, y emergió en la cima... sólo para ser desafiado por la supremacía por un compañero ungido, Nas, a quien le molestaba su improbable ascenso. La pelea resultó en una disputada decisión dividida, pero Jay siguió adelante, con el brillo intacto. En los más de 20 años transcurridos desde entonces, Jay-Z ha proyectado un aire ininterrumpido de dominio en la cultura a pesar de haber tenido que lidiar con una guardia de adversidad en constante cambio: sonidos cambiantes, jóvenes retadores, nueva tecnología, indiscreciones públicas y, francamente, simplemente envejecer en el juego de un joven.

Aún así, no importa lo que le hayan lanzado a Jay-Z, él ha perseverado y prevalecido, creciendo como artista, hombre de negocios y marca. Y lo ha hecho con una intensidad, integridad y gracia totalmente únicas en el Empire State. Ya sea su ambición de estafador, su curiosidad cosmopolita o su interés comercial, el modelo del éxito de Jay es su destilación suprema de las características que han definido a Gotham desde su fundación en el siglo XVII. Así que sí, ocupa el primer lugar de esta lista debido a su letanía de logros sin precedentes y no duplicados, pero más, mucho más, porque lo hizo, lo hizo hasta Nueva York. —Noah Callahan-Bever

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